Club del Disco

HACIA UN CRITERIO PROPIO

HOLA!

Entre presentaciones, encuentros y nuevas selecciones, el Club del Disco avanza con alegría y fuerza en esta etapa fundacional. No queremos dejar de agradecer a todos ustedes, nuestros socios de la primera hora, que nos están acompañando en esta aventura del descubrimiento musical, y de invitarlos a seguir dando forma a este espacio con ideas y sugerencias.

Con la selección de este mes volvemos a apuntarle a   la diversidad: nuestro Disco del Mes, "Deslumbre" de Mariana Baraj, nos acerca a un género que no habíamos abordado en nuestras selecciones anteriores... o tal vez deberíamos decir dos géneros. Porque nuestra selección del mes integra entre otras cosas folklore argentino y jazz, un encuentro que, aunque tiene una larga historia, muestra en este disco señales de un nuevo capítulo.

Por otro lado, en la Nota de este número nos proponemos aportar a un mayor entendimiento de algunos términos técnicos y musicales, muchas veces necesario para descifrar una entrevista o la ficha técnica de un disco.

Nuestro propósito es contribuir a formarnos como un público inteligente, que sepa de qué se habla. Un público que no dependa de lo que dijo el crítico de tal o cuál medio, del éxito en tal o cuál país, ni de la publicidad muchas veces engañosa de ciertas marcas, que en ocasiones se nos quieren imponer como supuesta garantía de calidad.

Buscamos estimular el desarrollo gradual de criterios propios, basados en el conocimiento y la comprensión genuinos.

Después de todo, conocer, comprender y disfrutar ampliamente son cosas que suelen ir de la mano!

Hasta el próximo mes

Club del Disco

DESLUMBRE

MARIANA BARAJ

Para el mes de Agosto hemos seleccionado el nuevo trabajo de la cantante y percusionista Mariana Baraj, recientemente editado en forma independiente.

Mariana Baraj nos acerca DESLUMBRE , su segundo trabajo como solista, recién salido del horno y aún humeante... Lo presentamos para los socios del Club como primicia, ya que aún no está en disquerías. Realizado por Mariana junto a un grupo integrado por algunos de los músicos más activos de la escena del nuevo jazz argentino, el trabajo contiene temas del repertorio folklórico abordados con un enfoque que incluye elementos del free jazz y la música clásica o erudita del siglo XX.

El trabajo fue grabado en el estudio Circo Beat , en marzo de este año, y en tiempo real. De esta manera se logró rescatar la energía y espontaneidad de los músicos en la interacción y la improvisación -pilares fundamentales en concepto de este disco.

El sonido del CD es excelente, la voz y los instrumentos se escuchan en toda su riqueza y detalle, sin efectos de estudio. Esta transparencia se aprecia mejor cuando es escuchado en un buen equipo, y con un buen volumen.

DESLUMBRE impacta inicialmente por su vitalidad interpretativa y la osadía de los arreglos. La voz de Mariana,   franca y sin artificios, comparte el primer plano con arreglos que dejan mucho lugar a la improvisación e incluyen algunas innovaciones formales. En muchos momentos es la voz la que pareciera servir de base para contrapuntos improvisados de los demás instrumentos, que llevan el terreno de la canción hasta sus límites, aunque conservando su conexión emocional.

Las versiones de los temas -en su mayoría, clásicos del folklore argentino- llevan al grupo tan lejos como es posible, tensando al máximo la cuerda entre el recuerdo que podamos tener de ellos y lo que efectivamente escuchamos.

Si bien la formación no es desconocida (voz, saxos, guitarra, contrabajo, batería y percusión), los arreglos y la instrumentación en DESLUMBRE desafían lo tonal y presentan exploraciones tímbricas donde los instrumentos no siempre cumplen el rol que se les asigna habitualmente.

El grupo tiene un sonido acústico, con la excepción de la guitarra eléctrica, que aporta colores y paisajes muy originales, basados no tanto en efectos electrónicos sino más bien en los recursos de ejecución.

En el aspecto rítmico, el grupo juega con compases distintos a los originales, generando ostinatos complejos -no siempre a cargo de la base, sino tomados a veces por los instrumentos melódicos-. Y otras veces trabajando con un pulso semioculto, dándonos la sensación de estar "desarmando" el ritmo para generar texturas que, sin embargo,   permanecen aglutinadas.

La sensación que provoca DESLUMBRE es la de una ebullición que alcanza al oyente en lo emocional, al tiempo que invita a una escucha inteligente.

ARTISTA

Mariana Baraj (1970, Buenos Aires, Argentina) es percusionista y cantante. Estudió canto con Gabriela Torres, Iris Guiñazú, Nora Faiman, Andrea Álvarez, y percusión con Pocho Porteño y Facundo Guevara.

Luego de colaborar activamente con numerosos artistas de música popular (Juan Falú, Liliana Herrero, Teresa Parodi, Todos Tus Muertos, Bernardo Baraj, Catupecu Machu, Pepi Taveira, entre muchísimos otros) edita Lumbre, su CD debut, en 2001 -que El Club del Disco presentó en su catálogo del mes de junio-. Presenta una incesante actividad junto a su Quinteto en exitosas giras por la Argentina, Brasil, Alemania y España. La flamante edición de Deslumbre la encuentra a punto de emprender una nueva gira europea.

MARIANA BARAJ

HABLA DE DESLUMBRE

El Club del Disco conversó con la cantante y percusionista acerca del proceso de realización de Deslumbre. A lo largo de una mañana de sol y entre mates amargos, Mariana nos fue contando los detalles que rodearon su último trabajo.

Qué te propusiste en Deslumbre, de qué conceptos partiste?

Para Deslumbre partí del concepto de Lumbre, de mantener el espíritu, lo orgánico, lo natural. Las diferencias vienen dadas por los cambios de integrantes, que hicieron que los arreglos cambiaran. También necesité cambiar un poco el repertorio, en función de lo que yo misma escucho: además del folklore argentino, incorporé temas del folklore de otros países (vecinos por el momento, eso no quita que en el futuro vaya más lejos).  

Por ejemplo, el tema de Luzmila Carpio es en Aymara. Tuve que investigar mucho para dar con la traducción y la pronunciación, empecé por Internet y terminé invitando a casa a los verduleros bolivianos del barrio, hasta que uno de ellos me acercó a lo que andaba buscando. Hay también un tema de Violeta Parra, y otro de Hugo Fattorusso.

Cómo fue el proceso de ensayo y la preparación?

Este disco, a diferencia del primero, no fue muy tocado en vivo antes de grabar. Lo ensayamos a fondo en el verano, durante enero y febrero de este año.

En esa época tuve la sensación de que faltaba madurar, sentía que era un poco prematuro entrar a grabar, que hubiera sido mejor tocarlo más, pero teníamos que salir a Alemania, antes de Julio...

Al mismo tiempo, yo tenía la tranquilidad de que todo iba a andar bien, confiaba mucho en los músicos, que llevan mucho tiempo improvisando y tocando juntos. Y hubo un momento donde todo se armó.

Por mi parte, estudié mucho. Agarré tema por tema, detecté las dificultades y me puse a machacar. Grababa los ensayos, me escuchaba, investigaba cosas y buscaba colores. Hay temas con arreglos muy difíciles por la armonía, la rítmica, algunas cuentas de compases; todo eso lo trabajé por mi cuenta, fuera de los ensayos.

Cómo lo grabaron?

Todos al mismo tiempo, incluso las voces.

Nos acomodamos en el estudio, Rodrigo en una especie de "carpa", rodeado de telas, acrílicos y no sé qué más, Jero y yo en cabinas dentro del estudio, la batería y la guitarra sin aislamiento -aunque algunas guitarras se grabaron en el control-. No fue fácil encontrar la disposición para tocar la percusión y cantar a la vez.

El aporte de Jodos, productor artístico, fue fundamental. Él nos hacía cambiar de tema   cuando algo se había "pasado", o nos ayudaba a apreciar una versión que estaba lograda y que tal vez pretendíamos grabar nuevamente.

En este segundo disco me encuentro más madura en muchas cuestiones, voy más a la esencia, y Jodos me ayudó a no hilar tan fino y atender más el resultado global.

En los temas que grabé sola con la percusión y la voz esto también se nota. La música que yo escucho es en algún sentido "imperfecta". Mi cantante preferido es Arto Tumboyacian, y cualquiera diría que canta mal... para mí es bárbaro.

Cómo trabajaron los arreglos?

Hay temas que veníamos tocando de antes, con arreglos que eran más grupales. Hay   arreglos que armó el Colo (Arredondo), otros que armé yo... la vidala de Leda Valladares era muy tradicional, yo la volqué hacia algo más afro. Rodrigo también aportó algunos arreglos, él es bastante atonal. Y desde que entró el Colo cambió mucho la energía: investiga, incorporó la guitarra eléctrica, prueba cosas...

Todos toman riesgos, están todo el tiempo al borde del precipicio. A mí eso me hace crecer, me aporta mucho, y me dan más ganas de seguir por ahí.

A veces la cosa se pone muy árida, el acorde que tiran nunca es el más obvio o la frase melódica que acompaña la voz está en otra tonalidad. Para mí tocar con ellos es un entrenamiento. Como producto de convivir musicalmente con ellos yo improviso mucho más desde la voz y la percusión.

Siendo una persona más bien urbana, cómo fue que llegaste al folklore?

En mi casa se escuchaba mucho jazz, no tengo registro de haber escuchado folklore, pero me gustó desde siempre.

El folklore no se acercó a mí, fui yo la que se acercó al folklore, como una inquietud personal. Después tuve maestros que me acercaron a la música de raíz y confirmé que era eso lo que me movilizaba.

Hay algo que te hayas propuesto en Deslumbre a nivel humano?

Más allá de los discos, muchas veces tuve la sensación de que la música a mí me salva la vida. A veces pienso "¿qué sería de mí sin la música?"... Tengo la certeza de que la música cura.

Sin pensarlo mucho, siento que me cura a mí, que es un gran refugio, y si hay música siento que voy a estar a salvo de todo mal.

No tan conscientemente, yo trato de dar -no sé si lo logro- eso que siento que la música me da a mí.

La música me traslada y me conecta con algo bueno. Me gustaría que la música que yo hago genere eso hacia los demás.

UN GLOSARIO

DE TÉRMINOS TÉCNICOS Y MUSICALES

Existen algunas misteriosas palabras del lenguaje técnico que merodean alegremente en el ambiente.

Muchas veces los músicos no pueden evitar nombrar ciertos artefactos, procedimientos o aspectos musicales con palabras técnicas, para hacerse entender en entrevistas con la prensa especializada o en charlas de radio.

Los desafortunados lectores u oyentes no tienen más remedio que asignar algún significado al voleo a esas "palabrotas", si no quieren perder definitivamente el hilo de la conversación. A veces el entrevistador no quiere interrumpir la charla con preguntas inoportunas del tipo "- disculpame, qué es exactamente la mezcla?" o "-qué vendría a ser un seis por ocho?" . Esas palabras quedan entonces envueltas en una bruma de significado incierto.

Y así deambulan vagamente en boca de aficionados y críticos de música -no siempre formados como debieran-, otorgando al que las emplea una imagen de conocedor.

Pero...

La verdad es que la mayoría de esos términos tiene un significado preciso, sólo que de difícil traducción si no se tiene un conocimiento sólido o incluso un entrenamiento musical previo.

En este brevísimo y súpersimplificado glosario, trataremos de desenmascarar algunas de esas palabras, no para que sean usadas -ya que algunas de ellas precisarían de explicaciones mucho más extensas-, pero sí para que al leerlas o escucharlas se comprenda, al menos, de qué se está hablando.

Va entonces la primera parte de nuestro glosario, desde la letra A hasta la H.  

Acento: momento de énfasis, explícito o sugerido, en un ritmo o frase musical. (Como en el lenguaje hablado, el acento puede delatar el estilo y hasta la procedencia de un músico).

Acorde: un conjunto de tres o más notas sonando simultáneamente.

Acople: un sonido generalmente agudo y desagradable (aunque no siempre) que se produce cuando el micrófono que capta un sonido está muy cerca del parlante que lo emite, generando una retroalimentación. (Éste es un problema habitual en conciertos con muchos micrófonos y monitores de escenario).

ADAT: uno de los primeros equipos de grabación digital multipista. Actualmente se está dejando de usar en favor de la grabación con computadora.

Amplificador: equipo electrónico que aumenta el volumen del sonido. También le aporta su color particular. (Los amplificadores a válvula, más antiguos, son hoy en día muy buscados por aportar al sonido cierta calidez y una distorsión agradable; aquellos a transistores aportan mayor transparencia).

Armonía: todo lo referente a cómo combinar las notas que suenan simultáneamente. (Se le llama "aspecto vertical", ya que en las partituras las notas simultáneas se encuentran unas encima de otras)

Arpegio: es el dibujo melódico resultado de tocar sucesivamente las notas que componen un acorde, en lugar de tocarlas simultáneamente.

Cámara: reverberación.

Compás: ciclo rítmico de duración constante que determina la acentuación   de las frases musicales. En un compás cabe una determinada cantidad de pulsos, que recibe nombres con aspecto de fracción. Así, en un compás de 3/8   caben tres corcheas, en uno de 2/4 caben dos negras, etc.

Compás irregular: es una forma -discutiblemente correcta- de nombrar a los compases que contienen cantidades de pulsos en combinaciones poco frecuentes, tales como 5, 7, 11, etc.

Compresor: procesador electrónico que evita que el sonido de un instrumento supere el volumen deseado. Se utiliza en la mezcla, o en conciertos en vivo.

Consola ( mixer o mesa de mezcla): es el equipo tantas veces visto en   contratapas de discos, con forma de tablero lleno de perillas y botones, en el que varios canales de sonido son ajustados individualmente hasta lograr la mezcla deseada. Se usa tanto para mezclar discos como conciertos en vivo.

Controlador: generalmente un teclado o un sequencer que no contiene sonidos propios, sino que le indica a un banco de sonidos o a un sintetizador qué sonidos deben sonar, en qué orden y de qué manera.

DAT: (Digital Audio Tape) un pequeño casette digital que era muy usado para almacenar los masters , dada su gran calidad. Actualmente está siendo   remplazado por los CD´s grabables.

Delay : procesador que agrega al sonido eco o repeticiones.

Diatónico: fragmento de música que utiliza únicamente las notas de la escala, sin cromatismos o sonidos añadidos.

Distorsión: transformación del sonido que se produce cuando el volumen es demasiado alto para que un aparato lo pueda procesar. Como consecuencia, el sonido resulta deformado. A veces este efecto es buscado intencionalmente.

Distribuidora: empresa que compra los discos al por mayor a los sellos discográficos, y los vende -o consigna- a las disquerías minoristas.

Efectos: procesadores electrónicos que transforman o agregan algo al sonido: delay , distorsión, compresión, chorus, flanger, reverb , filtros, son algunos de los más usados.

Ecualizador: aparato que permite atenuar o enfatizar determinadas frecuencias: graves, medios, agudos. Se usa extensivamente en la mezcla y es una de las secciones principales de la mesa de mezcla.

Edición: proceso de montaje, cortado y pegado -generalmente por computadora- de fragmentos de sonido o secciones completas de música.

Escala: una colección de sonidos ordenados de grave a agudo, que configuran un marco dentro del que se desarrolla una sección de música. Existen cientos de escalas distintas que combinan de diferentes maneras las doce notas musicales de Occidente, o las notas reconocidas en otras culturas.

Escala cromática: la escala que contiene las doce notas: do, do#, re, re#, mi, fa, fa#, sol, sol#, la, la#, si.

Escala mayor: la escala más usada en Occidente. Contiene siete de las doce notas, y su diseño es el de las teclas blancas de un piano comenzando en do .

Escala menor: la otra escala más usada en Occidente. Contiene siete de las doce notas, y su diseño es el de las teclas blancas de un piano comenzando en la.

Escala Pentatónica: escala que utiliza cinco notas. Existen también escalas hexatónicas, octotónicas y varias más, aunque son menos usadas.

Filtro: es un efecto similar al ecualizador, que permite silenciar o destacar frecuencias específicas. (Muy usado en la música electrónica para sonidos que parecen estar "bajo el agua" y gradualmente se van tornando más brillantes).

Forma: es la organización general de una pieza musical. Cómo se desarrollan sus secciones, si se repiten, si se superponen, etc.

Frecuencia: (de la onda sonora) determina la altura del sonido; a mayor frecuencia, sonidos más agudos.

Homofonía: textura musical consistente en una melodía principal acompañada por acordes. Por ejemplo: una canción estándar.

Heterofonía: textura musical en la que diferentes instrumentos se alternan en forma sucesiva para ir formando una melodía, o en la que varias voces realizan variaciones simultáneas de una misma melodía central. Como la mayor parte de la música de Indonesia, los sicuris , y una gran cantidad de músicas africanas.

En el próximo número continuaremos con la segunda y última parte de nuestro Glosario. Hasta entonces!